El 30 de noviembre de 1979, hace ya 30 años, apareció en las tiendas de música del mercado inglés el undécimo álbum de una de las bandas emblemáticas del rock británico. Nacido como un grupo universitario en 1966, Pink Floyd (nombre tomado de la fusión de dos leyendas del blues, Pink Anderson y Floyd Council) se convertiría, poco a poco, en un grupo de culto en la escena underground londinense hasta que, en 1973, gracias al monumento sonoro titulado The dark side of the moon, la banda se convertiría en el epicentro de una religión. Trescientos millones de discos vendidos en todo el mundo, conciertos más que multitudinarios y una inconfundible eficacia sonora, hacen que el grupo compuesto por Roger Waters, David Gilmour, Dave Mason y el finado Richard Wright sea considerado, hoy por hoy, una constelación genial difícilmente superable.

La cima de toda la aventura creativa de Pink Floyd está manifiesta en el álbum The wall y sus secuelas audiovisuales. Tras una primera etapa donde el grupo interpretaría el fondo musical de la psicodelia, la banda ocuparía un lugar de privilegio en la sofisticada escena del rock, apoyado en una decena de álbumes inconfundibles. Cuenta la leyenda que, en 1977, Roger Waters, agotado por el acoso del público, escupiría a un espectador en un concierto en Montreal. Arrepentido, el exaltado bajista imaginó la posibilidad de que hubiese un muro entre los músicos y los escuchas. A partir de ese primer impulso, se fue gestando la catedral sonora que, dos años después, el mundo conocería como The wall y que, ironías de la vida, consolidaría el declive definitivo de Waters, Gilmour, Mason y Wright como agrupación.

Para el lanzamiento del álbum, se utilizó el tema titulado Another brick in the wall part 2, el cual se convertiría en un éxito mundial y en piedra de escándalo por la agresividad de su letra. Por la misma época, el grupo camuflaba sus peleas internas preparando los inmensos shows en vivo que complementarían el lanzamiento del álbum. Finalmente, en febrero de 1980, el grupo haría siete presentaciones en la Sports Arena de Los Ángeles, ante un público fascinado por la complejidad creativa de la banda. En total, serían 29 presentaciones en vivo, repartidas en escenarios norteamericanos e ingleses. Toda la gesta de preparación y consolidación de los míticos conciertos fue finalmente revelada, a finales del año 2000, tras la aparición del documental para televisión titulado Pink Floyd behind The wall, en el que los cuatro miembros del grupo, apoyados, a su vez, por los testimonios del arquitecto Mark Fisher, del escenógrafo Jonathan Park, del animador Gerald Scarfe y del realizador Alan Parker, revelarían los secretos de la construcción de su gran muralla.

Los conciertos fueron grabados en video pero sus imágenes nunca salieron a la luz pública, salvo los fragmentos escogidos para el documental citado. El espectáculo constaba de dos partes. En la primera, se veía una banda de rock interpretando el primer tema del álbum en el que, en realidad, cuatro músicos con máscaras de los miembros de Pink Floyd escondían sus verdaderas identidades. Porque, hasta el momento, la banda era una entidad sonora sin rostro.
Poco a poco, se iban interpretando, uno tras otro, los temas del primer LP que conformaba el álbum doble, mientras un ejército de asistentes iba depositando gigantescos ladrillos blancos en el proscenio. Por fin, mientras Waters interpretaba el tema Goodbye cruel world, se colocaba un último ladrillo y la inmensa pared cubría la totalidad del escenario. Tras la pausa, continuaba el espectáculo, esta vez con los músicos apareciendo adelante o encima del muro, hasta que tres proyectores lanzaban las alucinantes imágenes animadas de Gerald Scarfe, en el que se veían martillos que emulaban desfiles nazis, flores que se convertían en parejas copulando, maestros de pesadilla o toda suerte de fantasmagorías psicodélicas. En algún momento, volaban cerdos, un avión se estampillaba contra la pared hasta que, por fin, el muro estallaba físicamente en mil pedazos.

El 17 de junio de 1981 se haría la última presentación en vivo de The wall en Londres y habría que esperar un año hasta que, en 1982, vería la luz el largometraje Pink Floyd The wall, filmado por el director Alan Parker y protagonizado por el cantante irlandés Bob Geldof. La materialización del filme sería toda una pesadilla y el mismo Parker la calificaría como la experiencia más siniestra de su vida. El asunto consolidaría la sospecha de que Roger Waters era un genio creador pero, al mismo tiempo, un conflictivo y contradictorio generador de problemas, tanto dentro de Pink Floyd como en la empresa que rodeó la gestación de la película.

Hoy, Pink Floyd The wall es un filme de culto y Bob Geldof está lejos de representar lo que fue en su momento. Amarga ironía el hecho de que un líder de una agrupación asociada al movimiento punk (enemigos acérrimos de todo lo que la banda de Waters representaba) terminaría convirtiéndose en el protagonista del filme más popular alrededor del sonido de los Floyd. Geldof recuerda que, cuando su mánager le ofreció el trabajo, iban en un taxi y el cantante se explayó en insultos contra todo lo que representaba la banda. Ironías de la vida, el conductor del vehículo era, nada más ni nada menos, que el hermano de Roger Waters. Contradictorio como siempre, a Waters le pareció fantástica la anécdota y, al parecer, fue una de las razones para que Geldof se quedara con el papel.

Actualmente, las canciones de The wall forman parte del repertorio permanente de los ex Pink Floyd. Roger Waters interpretó algunos de sus temas en su inolvidable visita a Bogotá el 9 de marzo de 2007. David Gilmour lo hace en sus conciertos, acompañado a veces del bajista colombiano 'Chucho' Merchán. En julio de 2005, gracias a Bob Geldof de nuevo (quien también visitó Colombia en el Hay Festival de Cartagena en 2007), se dio el milagro de que Pink Floyd se reuniese por última vez, en Hyde Park, para el evento denominado Live 8. Fue la última ocasión en la que los cuatro miembros del grupo estuvieron juntos, puesto que Richard Wright murió el 15 de septiembre de 2008, víctima de un cáncer fulminante.

The wall ya es un clásico, lleno de reflexiones sobre la muerte, la educación, la soledad y el delirio. Pero, ante todo, es un prodigio sonoro con temas como Mother, Hey you o la inmensa Comfortably numb, quizás una de las mejores canciones de la historia del rock.
Treinta años después, The wall continúa tronando en las conciencias sonoras del mundo y, sin proponérselo, se convertiría en una metáfora de la caída del Muro de Berlín. Así lo entendió Waters, y en 1990 organizaría un concierto monumental en la Postdamer Platz ante un público de 350.000 personas, apoyado en grandes estrellas de la música y el cine.

The wall es una leyenda de la política, del teatro, del cine, de la música, de la cultura del siglo XX. Así como álbumes de la talla de Let it bleed o Abbey Road marcaron el final de la década del sesenta, el álbum doble de Pink Floyd se ha convertido en un himno que, tanto detractores como fanáticos, identifican como el clásico de una época irrecuperable.

(John Santana) Para ti y para muchos más, la música es esencial al momento de trabajar, divertirte, distraerte y, claro, para la intimidad, lo que quedó comprobado y soportado con argumentos científicos. No obstante, un estudio hecho en Alemania, por el Instituto de Sondeos Forsa, reveló que la música no es no es una buena acompañante para el sexo, dato que aún es estudiado por sexólogos y psicólogos de ese país.

Los encargados de esta investigación dijeron que para el coito era mejor el sonido ambiente, la respiración profunda y los gemidos, pero no el ritmo de una cumbia, trance o un merengue.

Sin embargo, hay un aspecto que hace cuestionar ese resultado y es el por qué la música siempre está ligada a las cenas románticas y hasta a las producciones Triple X.

Históricamente, a la música se le ha atribuido poderes armonizadores debido a que calma a los perros malgeniados y a los efectos somníferos que tiene sobre los niños, de acuerdo con los sexólogos gringos de la Universidad de Nueva York, quienes también sostienen que aumenta el potencial sensual en quien la escucha y está a punto de pasarla bien con su pareja.

Es más, ese mismo grupo de profesionales agrega que la música ayuda a las parejas a que rompan el hielo y empiecen a desinhibirse, haciendo también que la relación deje de ser algo tan complicado y perturbado por las inseguridades de cada una de las partes.

La psicóloga especializada en sexualidad humana Gloria Cabrales Pinto dice que, durante el sexo, los oídos necesitan ser estimulados y, en ese caso, es la música la que propicia el ambiente dado a la seducción y la que transforma una actitud diaria y normal a una más seductora.

Este miércoles 25 de noviembre, Kiss ofrecerá un concierto en el Staples Center de Los Ángeles que será transmitido en vivo. El legendario cuarteto estadounidense se sumará a la lista de bandas que comienzan a emitir sus shows, de forma gratuita, por la web.
U2 lo hizo a través de YouTube, Foo Fighters a través de Livestream y ahora Kiss lo hará a través de Ustream.
Ésta será la primera vez que un concierto de esta banda pueda ser visto en directo vía streaming. El magno evento será el 25 de noviembre a las 9:00pm (PT); que en Colombia corresponderá a las 1:00am de la madrugada del jueves 16 de noviembre. Los fans podrán disfrutar de su show e interactuar entre sí a través de Facebook o Ustream.
Los integrantes de una de las bandas de rock más icónicas de todos los tiempos, han grabado un saludo, invitando a sus seguidores a ver su concierto:
http://www.youtube.com/watch?v=efWuHwYUs3o&feature=player_embedded

(Por Antonio Romero) El Caribe, desde finales del Siglo XV, ha sido escenario de una agresión imperial que extinguió su población nativa, arrojó a sus islas y puertos millones de seres humanos esclavizados y ha respondido de manera brutal a los levantamientos de esclavos y obreros. La aristocracia española e inglesa y las burguesías francesas y yanquis han sido las principales agresoras de ese Caribe que es algo más que playas y palmeras.

El Caribe que no se fotografía en las postales guarda en sus entrañas la tragedia del barrio, ese existencialismo de esquina que a veces, sólo a veces, es bravío, como Haití en 1804, como Cartagena en 1811, como Cuba en el 1959… porque ha sido el Caribe también el que ha dado los mayores golpes a los imperios.

Y estos siglos de colonialismo y resistencia, convirtieron al Caribe en un archipiélago en el que el tambor es el principal instrumento de identidad, en una sociedad signada por la migración y el desarraigo.

Tanto en las islas como en el litoral, el Caribe está preñado de colores y lenguas que tienen dos vasos comunicantes: la música y el mar. Y esta música, nuestra música, sigue resistiendo al imperialismo, como se evidenció hace unos días cuando Residente, integrante de Calle 13, lució una camiseta contra las bases yanquis en Colombia.

Los negros esclavizados se comunicaron a través del tambor y los campesinos hicieron sus lamentos a través del son en Cuba, del jíbaro en Puerto Rico, de la murga en Panamá y de mil ritmos más que florecieron en medio de las más adversas condiciones. A mediados del Siglo XX, nuestra gente y su música comenzó a migrar a Nueva York y en esa ciudad el lamento campesino se volvió lamento urbano y le llamaron salsa.

La salsa se convirtió en la música del barrio. Del “sale loco de contento con su cargamento para la ciudad” de Rafael Hernandez se pasó al “Ya no hay quien salga loco de contento” de Tite Curet Alonso. Y es que el barrio en el Caribe no es una simple descripción geográfica, no está encerrado entre calles y carreras, el barrio es una institución cultural que tiene implicaciones.

En las esquinas tutelares de los barrios del Caribe está la resistencia cultural de los esclavizados, Daniel Santos es su siempre Jefe: “cuál será, cuál será, la esquina del movimiento”. Y entre el vacile, la mamadera de gallo y el aguaje, gente de todas las edades infunde la necesidad de defenderlo, de llevarlo a cuestas.

En La perla, de Calle 13, Residente se manifiesta:

“Cuidao con la vieja escuela, que no te coja, que te va a meter con chancleta y palo de escoba, así que no te me pongas majadero, porque yo vengo con apetito de obrero a comerme a cualquiera que venga a robarme lo mío, yo soy el Napoleón del caserío”.

Y Rubén Blades responde:

“Esa risa en la perla, la escucho en El Chorrillo desde Tepito hasta el Callao y donde sea que hayan chiquillos. Creo en barrios y comadres que tuvieron iguales razones y al final se murieron sin tener vacaciones, como decía mi abuela así fue la baraja y en la casa del pobre hasta el que es feto trabaja. Por eso el barrio eterno y también universal y el que se mete con mi barrio me cae mal”.

Ayer y hoy, por las esquinas del Caribe, la música del barrio sigue guapeando, enfrentando al ‘blanco sospechoso’.

Casi a las 6 de la tarde apareció Shakira en el pabellón cinco de Corferias. Vestida con medias veladas negras, falda y chaqueta del mismo color, una blusa blanca estampada y botas rojas, la cantante ofreció una rueda de prensa a los periodistas antes de cantar en la gala de los Premios MTV Latinoamérica.
Sobre su nuevo trabajo discográfico, Loba [0], la artista confesó que es el disco más femenino, que habla sobre los sueños diurnos y las fantasías que la rodean, así como de las experiencias de sus amigas.
"Creo que en Loba hago una interpretación profunda de la cultura, creo que toda las mujeres tienen una loba por dentro, que todos tienen sueños prohibidos y la loba los pone en evidencia. Este disco pretende hacer lo mismo".
"Un día me levanté y vi mis piernas, me dije no están mal, están corticas pero me llevan y me traen, están decentes... así que vamos a mostrarlas ahora antes de que sea demasiado tarde. Así que esta era el sentimiento que quería mostrar y era la forma también de sentirme más libre, más mujer... era la forma de seguir mis deseos", comentó.
Shakira llegó a Colombia el pasado domingo por la tarde y luego de la rueda de prensa se presentó en la gala que los MTV grabaron en Corferias de Bogotá, y que hará parte del show centrar de los premios latinos que se transmitirán desde Los Ángeles el próximo 15 de octubre a las 10 de la noche.
Aunque el plato fuerte de la ceremonia era el español Alejandro Sanz, quien interpretó Corazón Partío, Quisiera Ser y por primera vez en vivo Looking for Paradise [0], canción que canta a dúo con Alicia Keys; la mayoría de los asistentes estaban en Corferias el reciento ferial para ver a Shakira, quien recibió por parte de Carlos Vives [0] la lengua (premio de MTV) en la categoría Agente de Cambio gracias a las labores sociales que adelanta. Minutos más tarde, cantó por primera vez en un escenario Loba.
El tercer show de los MTV Latinos 2009 (ya se hizo en Buenos Aires y México) comenzó con el "parcero más querido", con Juanes, quien fue el encargado de presentar a su amigo y colega Alejandro Sanz.
Durante la noche se entregaron otras dos lenguas: mejor artista centro, galardón que se llevó el grupo colombiano Don Tetto, y mejor artista nuevo zona centro, que este 2009 fue para los peruanos Adammo.
Entre los presentadores se encontraban Taliana Vargas, Connie Camelo y Johanna Careño. Además de la presentación de Sanz y Shakira, se vio a The Veronicas, un dúo australiano de pop rock formado por dos gemelas; así como a Fanny Lu y Dr. Krápula.
El hecho que Bogotá haya sido una de las cuatro sedes de los Premios MTV 2009 le costó al país 500 mil dólares. En una rueda ofrecida hace un mes, el vicepresidente Santos explicó que entre el Gobierno nacional, la marca Colombia es Pasión y la Alcaldía de Bogotá se invirtió ese dinero porque "los Premios MTV Latinoamérica tienen 500 millones de televidentes y nosotros esperamos que el 20% de esa audiencia quede con ganas de venir a la ciudad", comentó el funcionario, quien además aseguró que desde hace más de tres años la ciudad adelantó esta negociación.
Para "mostrar" la "imagen positiva" de Bogotá, la primera semana de septiembre el cantante de Calle 13, René Pérez, más conocido como Residente, grabó en diferentes partes de la ciudad cápsulas que se emitirán este 15 de octubre.
Residente será el anfitrión de la gala en Los Angeles, situación a la que le saca gracia comentando que seguramente será su primera y última vez como maestro de ceremonia: "Se jodieron, voy a decir muchas cosas que pasan en el continente, muchas de esas bonitas... espero que no se arrepientan".

(Por Jaime Vides Feria) “Sí, esa canción me la compuso Rubén Darío Salcedo, cuando yo era estudiante de la Normal Nacional hace 44 años…”

Las declaraciones de Aidé Sofía Núñez fueron el mejor certificado notarial para autenticar la autoría de La colegiala, canción que aparece en el nuevo trabajo discográfico de Carlos Vives bajo la firma de Julio De La Ossa.

El maestro Salcedo, al escuchar el tema al estilo de Vives (en su nuevo CD Clásicos de la Provincia II), ponderó sus arreglos y llamó a muchos amigos con alborozo para comunicarles que hacía parte del álbum de juglares escogidos por el cantante samario, pero al día siguiente alguien le hizo notar que su nombre no aparecía en los créditos.

De inmediato se comunicó con los productores de Vives para expresarle su descontento y aclararles que La colegiala es de su autoría inspirado en Aidé Sofía Núñez, la joven estudiante que él por muchos años pretendió como su amor, pero ella prefirió a un abogado.

Carlos Vives, se apersonó del caso, conversó con el maestro vía telefónica para pedirle excusas por el error y prometió hacer la corrección de los créditos, ordenar en su favor el pago de regalías y grabarle en el próximo trabajo las canciones Ay Elena y Corazón de Acero

El trato entre Vives y Salcedo fue muy cordial hasta el punto que entre lo acordado se pactó una visita del cantante a Sincelejo para departir un mote de queso y escuchar de viva voz todas las canciones exitosas de Rubén Darío.

Vives quería conocer la historia real de la canción. Se la contaron sus propios protagonistas: Rubén Darío Salcedo y Aidé Sofía Núñez. Como si fuera ayer, se acuerdan de todo lo ocurrido por un amor que no se dio por perjuicios sociales. Un amor que no fue amor. Fue apenas una expectativa.

“…No quieres que yo vaya y le hable a tus padres porque te afrenta, porque ellos tienen plata y yo tristemente soy un chofer, entonces por qué mujer te enamoraste de mi…”.

L A HISTORIA. En 1965, Rubén Darío ya era un artista que, junto con el brioso acordeonista Alfredo Gutiérrez, recorrían los mejores escenarios del país. Rubén, en sus descansos en Sincelejo, paseaba en un Jeep Willis modelo 52. Eran los taxis de esta ciudad, uno de esos carros destartalados a los que David Sánchez Juliao con insuperable humor llamó “un WVM, mejor dicho, un Willis Vuelto M…”

Rubén estaba atento para llevar y recoger en la puerta de la Normal Nacional a Aidé Núñez, a escondidas de sus padres. Durante el recorrido Salcedo cantaba muchos versos dedicados a la joven que los escuchaba sonrojada en medio del susto que no la fueran a ver con el chofer del Willis.

La joven colegiala siempre fue temerosa que sus padres se enteraran de esa relación, lo que la obligó a tener cambios de actitudes con su pretendiente.

“¡Ay! no puedo comprender si es que me quieres o me desprecias, porque últimamente he notado cosas en ti mujer…!”.

Al final Salcedo perdió la batalla frente a un abogado.

Feliz reencuentro

El error en los créditos del CD de Carlos Vives, hizo que Rubén Darío y Aidé Sofía Núñez, se reencontraran después de 44 años de estar escuchando su historia amorosa resumida en una canción. Volvieron a hablar de las anécdotas sobre el Willis, cuando en medio de la alcahuetería de sus compañeras de estudios iban y venían, mientras el chofer expresaba versos. “Ya viene el de los ojos azules, decían mis compañeras cuando Rubén Darío se aproximaba a la puerta de la Normal un tanto morisquetero para conducir su automotor”, recuerda Aidé, motivo para una carcajada de Rubén.

Buscó un abogado

Rubén Darío Salcedo había pronosticado en su canto que aquel amor estudiantil no llegaría a feliz término. Al final, con tristeza, vio cómo se esfumaba el amor de ‘La colegiala’. Ella prefirió casarse, efectivamente, “con un hombre de leyes”.

“Yo le dije: ¡Entonces porqué mujer te enamoraste de mi, sabiendo que este chofer no puede hacerte feliz, entonces busca otro lado y búscate un abogado!”, recuerda el cantautor.
El negocio del disco cambia y aplica estrategias contra la piratería
La novedad del nuevo disco de Carlos Vives es que rompió el esquema tradicional de las grandes empresas discográficas por el de una cadena de supermercados, sin tantos lujos en carátulas y empaquetamiento del producto para poder venderlo a muy bajo costo y evitar así la piratería.

El CD denominado Clásicos de la Provincia II incluye 15 temas de consagrados compositores: Luis Enrique Martínez (El pollo vallenato), Juancho Polo Valencia (Sí, sí, sí), Náfer Durán (Sin ti), Carlos Huertas (Las mujeres), Fernándo Menéses (Momentos de amor), Gustavo Gutiérrez (Confidencias), Sergio Moya Molina (El contrabandista), Octavio Daza (Frente a mí), Leandro Díaz(La parrandita), Rafael Sánchez (La bogotana), Máximo Movil (Mujer conforme), Rafael Valencia (La caja negra), Alejo Durán (La muchachita) y Rosendo Romero (Noche sin lucero).

Todos citados en forma correcta en la carátula y demás créditos, menos Rubén Darío Salcedo (La Colegiala) que aparece erróneamente como de Julio De la Ossa.

Aidé Sofía Núñez, la inspiradora del tema, inicialmente rechazó la canción porque consideraba que la habían puesto en la picota pública. “Cuando iba por la calle la gente me gritaba: ‘¡ahí va la colegiala!’. Eso me daba mucha pena”.

Durante el inesperado encuentro de estos días, Rubén escuchaba y algunas veces intervenía para corregir sitios o fechas, pero admitía todo lo que ella narraba de esa experiencia vivida por una canción que lleva casi medio siglo sonando aquí y en el exterior.

(EFE) El nuevo sencillo de Britney Spears, 3, ya se encuentra en las tiendas como adelanto de su disco de grandes éxitos, The Singles Collection, que saldrá a la venta el 24 de noviembre, informó la prensa estadounidense.
Ese álbum recogerá los temas más célebres de la artista estadounidense, como Baby One More Time, You Drive Me Crazy, Toxic o Womanizer, celebrando así su décimo aniversario en la industria musical.
Su nueva canción, 3, fue producida por el sueco Max Martin, quien ya colaboró con Spears en su primer gran éxito, Baby One More Time, y ya levanta ampollas entre los sectores más conservadores de EE.UU. por el lenguaje sexual de la letra.
"Cuantos más seamos, mejor, el trió es divertido así", canta Spears en alusión a los tríos sexuales. "Tres es un encanto, dos no es lo mismo. No veo que haga daño, ¿te animas?", prosigue la artista en la canción.
En el mes de julio, durante la parte europea de su gira mundial, Spears anunció a través de Twitter su nuevo trabajo con Martin.
The Singles Collection saldrá a la venta en dos formatos, uno sencillo con 18 canciones y una edición especial que incluye los 29 sencillos lanzados hasta la fecha por Spears, junto con todas sus caras B y remixes.
Esa edición especial del álbum contendrá también un DVD con todos los vídeos musicales de la cantante y una colección de fotos que repasará toda su trayectoria.
Spears, de 27 años, lanzó una primera recopilación de su carrera en My Prerogative, en 2004, y una segunda con B in the Mix: The Remixes, en 2006.
La artista concluyó el pasado domingo en Las Vegas, Nevada, la parte estadounidense de su gira mundial Circus, que proseguirá el 4 de noviembre en Perth, Australia. 

This October 21st will be 75 years since the birth of Carlos Huertas, one of the most important vallenato composers whose ‘El Cantor de Fonseca’ was recorded by Carlos Vives in an unforgettable version for his “Clásicos de la Provincia” more than 15 years ago.
For this reason as well as Vives’ love for the vallenato of La Guajira, and also because of his close friendship with Carlos Huertas Jr., he not only recorded another one of Huertas’ songs for the second installment of ‘Clásicos de la Provincia’ but it will also be the first radio release scheduled for next week.
“It’s a song about a poet who loses it all through the years and scolds women for leaving him alone”, said Carlos Vives during the launching of his partnership with the chain Exito, where his album can be purchased as of September 30th.
Starting this weekend, Colombians can purchase the first single from the album titled “La Muchachita” on the superstore’s website as well as preorder the full length album starting September 28th.
According to the artist this album had been in the works ever since the first volume was in production. “I always thought there should be more than one album so we could introduce more of our folklore, but the record company disagreed. Can you imagine what they would have sold had they listened to me?”
And he added, “With Clasicos de la Provincia we revolutionized Colombian music by taking traditional forms and mixing them with new patterns. Back then it was seen as disrespect for our folklore, but little by little it was understood and then made it to where it is today. With the second volume I feel we were much more disrespectful”.
It wasn’t easy for Carlos and his band “La Provincia” to select the songs for this second volume, which arrives a year after his “Pombo Musical” project and five after “El Rock de mi pueblo”.
“It was a hassle because we went all the way back into vallenato’s prehistory, and so there were lists and lists of songs. I think we have songs for a third and fourth volume of ‘Clasicos de la Provincia’ if the public wants them”.
“We won everything with original songs. Now we want to do the same with these classics, in honor of our folklore and its creators. How lovely would it be to bring a Grammy home to composers who are still alive or to the families of those who have passed”.
Although it’s hard for the singer to choose favorite songs from the album, among them is ‘La Cachaquita’, one he dedicates to his young daughter. “My baby is a ‘cachaquita’ and I want her to feel proud of it. Besides, there are few songs as lovely dedicated to women from Bogota”.

(Por: Sara Araújo Castro | Elespectador.com) Egidio Cuadrado, acordeón. Maité Montero, gaita. Ernesto ‘Teto’ Ocampo, guitarrra. Carlos Iván Medina, teclados. Cada uno de los escalones de Gaira Cumbia House lleva el nombre de los músicos que han hecho posible la música de La Provincia, esa agrupación que armó Carlos Vives con los mejores músicos de su generación y los ‘locos’ del folclor. El génesis de un fenómeno musical que ha revolucionado las últimas dos décadas en América Latina “cuando hice Escalona, - el mismo Vives lo reconoce - , entendí que podía estar cerca de lo mío, de mi música imprimiéndole lo que traía de Bogotá”. De ahí nació Clásicos de la Provincia I, un disco revolucionario que  15 años más tarde ve una segunda parte. Ahora con una novedosa propuesta de distribución, Vives y La Provincia vuelven recargados.
Subimos  los escalones que cuentan esta historia para oír el nuevo álbum que, escondido como un tesoro, está listo para salir al mercado el próximo 30 de septiembre. Escucho por primera vez las guitarras que anteceden al acordeón de Egidio, oigo  una versión fuera de serie de Amor sublime y la batería que revienta en Sin tí de Náfer Durán y ahí en uno de los cuartos privados del templo de la Cumbia, me doy cuenta de que Vives una vez más apostó todo a lo que el llama “el rock de mi pueblo”. 
Cuando entra Carlos, el productor-cabeza y vocalista  de esta explosión de vallenato con rock and roll, de Magdalena con Mississipi, de Juancho Polo Valencia con Jimmy Hendrix, Pide que repitamos El pollo vallenato, la canción de Luis Enrique Martínez. Y ahí sin más preguntas canta la primera estrofa  y dice:
Carlos Vives: “Soy Luis Martínez el pollo vallenato/Y es candela lo que van a tomar”, esto es un mensaje para la industria. Aquí no competimos, hacemos las cosas bien o no las hacemos. Yo si estoy muy, muy contento con este disco. Como ves el acordeón es puro vallenato, pero los patrones de batería y guitarra están más que definidos.
¿Con qué versiones trabajó para sacar estas tan rockeras?
Sobre la base de mi idea, guitarra y voz probé todas las versiones y me quedé con las originales porque son las mejores. Yo hago el clásico con algo que ellos no tuvieron, un productor cuidadoso que soy yo. Es tal cual como si Juancho Polo  hubiera entrado a grabar Si, si, si conmigo como productor: esta es su letra y su música más los patrones nuevos que nosotros metimos en los Clásicos I,  un disco revolucionario, pero esos patrones no existían en la época de Juancho Polo. 
¿Y esto nació con Clásicos de la Provincia I?
El primer elemento que modernizó este género fue el bajo de José Vásquez, el Jimmy Hendrix del vallenato. No fue ni Vives, ni Teto Ocampo. Pero luego en los 80, nació lo que yo llamo el patrón bogotano con músicos como el baterista Heiner Scaff que le metió cumbia al rock y los siguieron   Carlos Iván Medina y  Bernardo Velasco . Todo esto lo recogimos nosotros en el año 93.  A eso me refiero cuando hablo de la relación entre el Missisipi y el Magdalena pues los  esclavos del Congo grande  se asentaron en ambos ríos, y bueno ahí están los mismos patrones de percusión ¡Qué casualidad!
¿Por qué esperaron 15 años para Clásicos II?
Empezamos con canciones que no eran nuestras y con eso rompimos, pero después teníamos que hacer cosas nuestras y esas trajeron los premios y el reconocimiento. Pero esa vez fuimos tímidos porque no nos creían, y yo no era productor. Esta es la manera de completar la idea  que propuse, que funcionó en mis canciones, pero si no funciona en lo de mis antepasados estoy frito.
¿Cómo escogieron, por autores, por canciones?
Desde la primera vez yo tenía clásicos para dos discos, pero una vez seleccionas lo que va en el disco,  lo mejor se te queda por fuera. Así hay que hacer Clásicos III y IV.... En un momento, de tanto cambiar, parecía que no estuviera seguro de ninguna canción. Pero la verdad es que hay muchos temas que te traen recuerdo, que evocan cosas, canciones que vuelven intactas tras 20 años de haberlas olvidado. También manejo temáticas, que es lo mejor que tienen los vallenatos.
¿Cómo es eso de la temática? 
Cada vez que escojo un repertorio tengo que ser claro pues al final estoy mostrando eso que David Sánchez llamó la mitología vallenata. Es una filosofía de vida lo que expresan los juglares, los valores.  Por ejemplo Las Mujeres, el sencillo, no es la más popular de Carlos Huertas incluso, si miras el estilo de Huertas esta canción es un jingle suyo comparado con sus otras letras que son poesía. Pero es que ahí Huertas habla del hombre que empieza a envejecer y por esto las mujeres se  alejan. Y si ves todos vamos pa’ allá ¡Carlos Huertas espérame que voy para allá! porque a todos nos pasará.
¿Bueno y entonces qué decir de ‘el Contrabandista’ o ‘la caja negra’ que habla del hombre que  bebe?
Bueno estos son clásicos, el contrabando en esa región hace parte de nuestra historia.  Con el caso de La caja negra ese es un tema para mi delicado porque yo tuve que vivir muy de cerca la enfermedad del alcoholismo, y desperté a un mundo que no conocía. No nos enseñan que el alcoholismo es una enfermedad que termina paralizando. Cuando la canción te dice “el hombre que trabaja y bebe” te muestra que no sirve castigar al alcohólico y te alerta sobre las señales porque el enfermo no trabaja.  Si mañana me dicen que estoy promoviendo el trago, diré ¡oigan bien la canción!
¿Cómo se identifica un clásico?
Su naturaleza, son canciones que sirven siempre. Eso no lo determino yo sino la historia de la canción.
¿Como productor cuales fueron las indicaciones para Egidio?
Salvo unas vueltas en una u otra canción, que mantuviera los arreglos originales.
¿Para Maité y su gaita?
En los discos anteriores los arreglos de gaita en su mayoría son mios, pero es un proceso colectivo. En este disco que encontraste las gaitas un poco más tarde, es donde se ha hecho un trabajo más lindo con este instrumento. Y eso que me han dicho que porqué otra vez gaita, pero los sonidos no se gastan. Es como si a los Beatles les hubieran dicho “¡y van a meter guitarra eléctrica otra vez!”. Pues en este disco hay diez veces más gaita, más guitarra y más batería.
Después de la decisión de no ir a Cuba con Juanes, y ahora que pareciera necesario para los artistas tener una ‘agenda’ o un ‘discurso’, quisiera saber ¿cuál es la suya?
La música colombiana, mis tres hijos, el legado que nos dejaron nuestros juglares. Yo no tengo un discurso, mi discurso es lo que escogí hacer. Porque mientras todos decidieron irse, yo me quedé  haciendo la música aquí. Mi política es el Festival vallenato,  lo que pase con nuestra tradición y nuestro pueblo. Antes de irme a otra parte prefiero irme a Valledupar para ver qué va a pasar con nuestra gente y nuestra música. Ojala me llamaran del festival a que realice mis ideas.  Mi agenda es hacer algo con lo que nos han dejado porque tenemos un cuarto apilado de cosas: los personajes de Escalona, las historias de Carlos Huertas....
Después de haber recibido tantos premios  grammy. ¿Le gustaría que su disco entrara en la categoría del grammy vallenato?
Sería lo mejor, porque es la esencia de todo.
¿No es una categoría excluyente?
Este disco tiene un sentimiento vallenato muy puro, no es un disco convencional pero es muy poderoso en ese sentido. Por más locuras que hay allí es muy fiel al sentimiento vallenato. Por otro lado si creo que esa gente que en México hace cumbia debería estar en las nominaciones.
Pero cómo, los músico de Valledupar le tienen terror a que eso pase.....
Porque no saben lo que hicieron, porque no se han dado cuenta de lo que han producido en el mundo. Cuando estuve en Monterrey, al año de la muerte de la Cacica, y vi a Celso Piña llorando desconsolado por ella, entendí que lo que se ha hecho con este folclor es impresionante.
Los juglares según Vives
¿Qué compositor ha descubierto en este proceso?
De los que estamos grabando…. Todos son unas instituciones. Octavio Daza, yo me crié con él y era la canción de mi adolescencia, de mis regresos a Santa Marta: Siento tu amor frente a mí.
Defina: Diomedes Díaz.
Es el primer Mick Jagger del vallenato.
Rosendo Romero.
Es de los grandes compositores modernos del vallenato.
‘Colacho’ Mendoza.
El consentido.
Julio Bovea.
Era ese eslabón entre el vallenato y la corriente México-caribeña. Él entendió que la música de Escalona podía tener su valoración a los patrones de las guitarras cubanas y puertorriqueñas. Codificó el vallenato a ese sonido que era el del momento de las tres potencias musicales: México, Cuba y Puerto rico.
Poncho Zuleta.
Es el Rey, el faraón.
Leando Díaz.
Ese es el juglar más silvestre que he conocido en mi vida, el más puro.
Carlos Huertas.
El patrón de todos nosotros. Él es el orgullo de nosotros los guajiros.
Nuevas formas de distribución
Cuando a Vives se le preguntó acerca de estos años en los que estuvo fuera, tomó la decisión de volver a Colombia y preparó su nuevo trabajo, respondió: “Nunca me he ido del todo de Colombia. Uno no se va de donde tiene el corazón puesto. Pero sí estuve ausente de la industria, por los problemas de la promoción del último disco y por las cosas que cambiaron y toda esa debacle de la industria discográfica, además de un problema familiar grande. Por eso, Clásicos de la Provincia II lo produjo Gaira y lo hicimos sin disquera, en una nueva alternativa de distribución a través del Éxito. Además de las opciones virtuales, la nuestra es una de las muchas posibilidades que aparecieron con los cambios de la industria musical”, concluyó el artista.
Dirección web fuente:
http://elespectador.com/impreso/cultura/articuloimpreso163528-mi-politica-hacer-tradicion-mi-discurso-musica-hago
 
 

(EFE) El histórico concierto de Paz sin Fronteras, que promovió el colombiano Juanes, continúa en La Habana tras la presentación de la puertorriqueña Olga Tañón, que contagió con su merengue a cientos de miles de personas.
El sentimiento llegó con Miguel Bosé, quien interpretó sus clásicos éxitos como Te amaré.
El calor no arredró a los habaneros, casi sin excepción vestidos de blanco, como había pedido el propio Juanes, pero sí produjo numerosos desmayos incluso antes de que comenzara el concierto, a las dos de la tarde, cuando más calentaba el sol en el verano habanero.
El concierto comenzó sin ningún presentador, para dar paso directamente a los quince artistas que cantarán para un público que raramente tiene ocasión de ver a artistas internacionales.
Entre el público eran visibles sobre todo adolescentes y jóvenes, muchos llegados en autobuses desde todos los rincones de la isla, tan apretados que incluso Olga Tañón tuvo que pedirles que no se empujaran y respetaran las torres de sonido y las plataformas donde se ubican los fotógrafos.
El espectáculo despertó una expectación inédita en Cuba, hasta el punto de que numerosos medios, principalmente latinos, desplazaron equipos para la cobertura exclusiva del evento, que se suman a los 160 periodistas ya acreditados en La Habana.
Lleno total
Una Plaza de la Revolución abarrotada con cientos de miles de personas dio este domingo la bienvenida a los artistas de Paz sin fronteras.
"Hay que darle gracias a Dios, juntos estamos haciendo historia", dijo la Tañón, completamente vestida de blanco como la mayoría de los músicos y asistentes que vinieron a este espectáculo.
A su lado los 14 invitados a este evento -incluyendo al organizador Juanes- se abrazaron y aplaudieron luego de que la Tañón también mencionó su agradecimiento a los exiliados que no temieron apoyar el concierto.
¡Felices!
Algunas personas llevaban carteles con expresiones como "Juanes te amo".
"Vamos a estar aquí hasta que la fuerza no dé", sostuvo, Cristina Rodríguez, una enfermera de 43 años, quien junto a su hijo de 15 gozaban del concierto y desafiaba el sol y el enorme calor.
Para llegar ella comenzó a prepararse a desde el día anterior y se presentó en la Plaza a las 10 de la mañana a pesar de que las improvisadas puertas se abrieron a las 12 y se espera el concierto para las dos de la tarde.
Metros más allá un grupo de jóvenes expresan su expectativa.
"Vinimos a ver a Juanes y a muchos artistas internacionales. Aquí no queremos mezclar la política, solo el gusto por la música", dio Yudith Arcia, de 18 años.
Entre los invitados extranjeros están también los españoles Luis Eduardo Aute y Víctor Manuel; el boricua Danny Rivera y el italiano Jovanotti.
Entre los cubanos participan el trovador Silvio Rodríguez, el rockero X Alfonso, Orishas y los salseros Van Van.
Un locutor pedía a las personas que se protegieran del sol y no empujaran; mientras los paramédicos no daban a basto para atender a los desmayados.